BIOGRAFIA DE BERTOLT BRECHT

Nacido en Augsburgo, Alemania, 1898-Berlín, 1956) Dramaturgo y poeta alemán. Cursó el bachillerato en su ciudad natal y empezó a estudiar medicina y filosofía en Munich (1917), estudios que abandonaría más tarde para dedicarse por completo a la literatura. Debido a sus conocimientos de medicina, durante la Primera Guerra Mundial trabajó en un hospital militar, en donde vivió y padeció los horrores de la guerra. Finalizada la confrontación bélica se instaló en Munich y entró en contacto con los círculos políticos de la izquierda del Partido Socialdemócrata, y con los círculos artísticos relacionados con el expresionismo. En 1924 apareció ya como autor teatral en el Berlin Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt, y en 1928 escribió junto al compositor alemán Kurt Weill, un drama musical, La ópera de los tres peniques, que se convirtió en un gran éxito teatral. En él, Brecht realiza una sátira del capitalismo, en la línea de compromiso con el marxismo que marcó la mayor parte de su obra, a pesar de lo cual su relación con la ortodoxia soviética fue siempre difícil. La pieza consolidó la transición del teatro brechtiano desde técnicas y temas propios del expresionismo hacia un teatro renovador, con finalidades didácticas y en el que puso a prueba una nueva técnica teatral, el llamado «teatro épico del distanciamiento». Con el objetivo de evitar la identificación del espectador con los personajes y la acción dramática, introdujo una serie de elementos para provocar distanciamiento o extrañamiento, como los apartes cantados o el uso de máscaras, para mantener la capacidad crítica del espectador. También eludió la identificación del actor con su personaje y anuló la espontaneidad del espectador contándole previamente el argumento, que era tratado, además, a diversos niveles de la obra (en el diálogo, cantado, en paráfrasis...). Esta técnica quería favorecer el carácter didáctico de su obra y convertirla en un teatro frío en cierto sentido, un teatro de ideas con el que pretendía educar a las masas coartando la respuesta emocional y forzando la reflexión. Ejemplos de este tipo de concepción son las piezas La excepción y la regla y El que dice sí y el que dice no. Cuando Hitler subió al poder, Brecht se vio obligado a exiliarse: fijó su residencia primero en Dinamarca (1933-1939), y más tarde en Suecia, Finlandia y finalmente Estados Unidos (California). A este período corresponden algunas de sus piezas mayores, como Vida de Galileo (1939), en la que cuestiona el papel y la responsabilidad de los intelectuales en la sociedad, o Madre Coraje y sus hijos, además de obras contra el nazismo, como La increíble ascensión de Arturo Ui. En Estados Unidos trabajó en Hollywood como guionista cinematográfico para el director Fritz Lang. Terminada la guerra, continuó en Estados Unidos hasta que tuvo que comparecer ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas (1947), experiencia que le indujo a trasladarse otra vez a Europa, para fijar definitivamente su residencia en Berlín Oriental. Allí formó su propia compañía teatral, la Berliner Ensemble, con la que desarrolló sus teorías sobre el teatro con obras como El círculo de tiza caucasiano. Al final de su carrera realizó adaptaciones personales de piezas clásicas, tales como la Antígona de Sófocles y el Coriolano de Shakespeare.

MINI CUENTO

Quería ver, espiar, participar y sonreír. Quería avanzar y desaparecí. no lo logré, invisible quedé.

Mini cuento

Cerré los ojos y dormí. Me desperté en otro mundo cuando los abrí.

Ganadores de la competencia ortográfica

Kevin Barnatan, Raúl Dabbah, Giuliano Delle Chiae,Elizabeth Koiffman,Juan Francisco López y Brian Alt. FELICITACIONES.

EL FAMOSO UBU REY

Ubú rey es una obra teatral de Alfred Jarry estrenada el 10 de diciembre de 1896 en el Théâtre de L'Oeuvre, París. A partir de este estreno, el teatro experimenta cambios definitivos, rompiendo así con una fuerte tradición al renovar tanto la escritura dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la iluminación, vestuarios, utilización de máscaras, gestualidad actoral, etc. Convirtiéndose, Alfred Jarry, con esto, en uno de los precursores más importantes del surrealismo, del dadaísmo y del teatro del absurdo.
La exclamación "MERDRE" (mierdra) da comienzo a la obra dejando al descubierto el personaje de Ubú: una representación de lo grotesco y humanamente innoble. Este personaje genera la creación de tres obras más: "Ubú en la Colina" (que es un resumen de Ubú rey, adaptado para llevarlo a un acto de marionetas),"Ubú Cornudo" y "Ubú encadenado".

La patafisica

Dos nociones fundan la Patafísica: la de las equivalencias y el clinamen o ligera declinación de los átomos en su caída. En 1893, Alfred Jarry atribuye a Pere Ubu la invención de la Patafísica, "ciencia que hemos inventado y cuya necesidad se hacía sentir generalmente". Pero el verdadero texto fundador es otro: las Gestes et opinions du docteur Faustroll, pataphysicien.

Una obra acabada en 1898, publicada en 1911 -cuatro años despues de la muerte de Jarry-. El libro II, titulado Elements de pataphysique, sólo comprende dos páginas pero ocupa un lugar cardinal, pues contiene la primera definición que nunca a dejado de servir de referencia: "La patafísica […] es la ciencia que se añade a la metafísica, bien sea en sí misma, bien sea fuera de sí misma, y se extiende más allá de ésta tan lejos como ésta se encuentra de la física […] La patafísica es la ciencia de las soluciones imaginarias que atribuye simbólicamente a los lineamentos las propiedades de los objetos descritos por su virtualidad". La doctrina no puede explicarse realmente. Añadamos que esta ciencia se presenta también como la de lo particular y use interesa por las reglas que rigen las excepciones. Naturalmente, la regla es 'una excepción a la excepción'. En otras palabras, todo es la patafísica. La dialéctica patafísica se enrolla en sí misma como el ombligo úbico (en forma de espiral) que es su emblema.

Extracto de Alfred Jarry- De los Navis a la Patafísica , Catálogo producción IVAM Institut d'Art Modern, Valencia, 2000. Capítulo De la Pintura a la Patafísica, por Emmanuel Gujón.

patafísica

La patafísica es un movimiento cultural francés de la segunda mitad del siglo XX vinculado al surrealismo. El nombre proviene de la obra "Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico" de Alfred Jarry. A raíz de su lectura, algunos admiradores empezaron a practicar una ciencia paródica llamada patafísica, dedicada «al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones».La patafísica se basa en el principio de la unidad de los opuestos, y se vuelve un medio de descripción de un universo complementario, constituído de excepciones. En el universo de Alfred Jarry todo es anormalidad, donde la regla es la excepción de la excepción. La regla es lo extraordinario, y eso explica y justifica la existencia de la anormalidad.

biografía Alfred Jarry

Alfred Henry Jarry nació en la ciudad francesa de Laval, hijo de Anselme y Carolina. Recibe una esmerada educación. En octubre de 1891 llega a París para estudiar en el Instituto Henri IV; tras el bachillerato trató de acceder a la École Normale Superiore, en la que no fue admitido. Más tarde ingresó en La Sorbona y fue alumno de Henri Bergson. Obtuvo pronto el éxito literario con sus poemas en verso y su prosa original. A los veinte años publicó su primera obra. Poco después murió su madre, a la que sucedió dos años más tarde su padre, que le dejó una cuantiosa herencia, que junto al éxito temprano de sus obras le llevó a una vida desordenada e irregular.
La obra que le dio a conocer fue Ubú rey, estrenada en París el 10 de diciembre de 1896, con un gran escándalo, se le considera antecesora directa del teatro del absurdo. Con ella Jarry consigue el aplauso del gran París. Su estreno fue interrumpido varias veces por los abucheos de los ofendidos y los vítores de los vanguardistas. En su momento sólo se representó dos veces. Es una comedia satírica en la que se mezclan las referencias a Macbeth con los excesos de un monarca tan tirano como cobarde. Y cuya trama da lugar a situaciones llevadas hasta el absurdo. Es una crítica corrosiva contra la autoridad que el autor realiza a través de la llegada al poder del grotesco Padre Ubú, quien junto a su mujer encarnan la corrupción y el despotismo, casi un paradigma de los dictadores del Siglo XX. William Yeats, que pese a su mal francés presenció el estreno escribió en su autobiografía a propósito de esa noche "Después de nosotros, El Dios Salvaje".A partir de Ubú rey, Jarry empezó a confundirse con su propio personaje, adoptando el habla sincopada y pedante de su personaje y su personalidad. Se volvió más excéntrico. Caminaba siempre por París con una pistola en el cinto. A pesar de su éxito, vivió de forma pobre hasta su muerte, producto de una tuberculosis empeorada por el alcohol y las drogas el día 1 de noviembre de 1907, en el Hospital de la Caridad, a los treinta y cuatro años.

hola Paula te quería pedir que ya que hoy falte a la clase y te quedaste con una hoja mía de lo último de Antígona si lo podrías subir al blog ya que el lunes es la evaluación y ahí tengo algunas cosas que tengo que estudiar.
buenos muchas gracias, eli

EL POEMA SHE

El poema SHE se puede relacionar con la mujer, ya que significa ELLA en inglés. En cuanto al nivel gráfico las curvas de la S (que sobresalen en el poema) y la manera en que las H y E se meten adentro de ella me hacen sentir como si fuese que las mujeres se meten siempre en todo. Dentro del nivel semántico, no posee metáforas porque es una sola palabra, pero dicha palabra connota un significado romántico, tierno, poético, lindo. En el nivel fónico, el sonido de la palabra se hace lento, está en otro idioma y lo hace sonar más interesante. No posee rima ya que es una sola palabra.

Textos sobre pinturas utilizando imágenes sensoriales

http://www.reproarte.com/artista/355_Gustave+Courbet/10/index.html




El agua está tan fría que al tocarla mis dedos se cubren de hielo y mis piernas se endurecen como si alguien me las estuviera apretando.


El silbido del viento tan frío hace crecer en mí una capa de escarcha y mi nariz se enrojece como el mismo infierno.



Haikus sobre la pintura (tradicionales 5 sílabas, 7 sílabas, 5 sílabas)

Las aguas claras
de los tres ríos turbios
despiertas viven


Las altas cumbres
que cubiertas de nieve
al lago cuidan

DIEGO LOSZ y MATIAS MILMAR

Una puesta de Antigona en el 2006

TEATRO: ENTREVISTA CON ANA YOVINO
Un clásico con cierta audacia
Una versión particular de "Antígona". La actriz tendrá a su cargo la composición de los cinco personajes.
María Ana Rago. Clarín. 16.02.2006
mrago@clarin.com

Una versión muy particular de Antígona, la tragedia de Sófocles, subirá a escena a partir de mañana en el CELCIT (Bolívar 825).

La joven actriz Ana Yovino tendrá a su cargo la composición de los cinco personajes de esta versión libre del poeta peruano José Watanabe, dirigida por Carlos Ianni.

En Tebas, pasada una guerra cruenta, Antígona quiere dar sepultura al cadáver de su hermano Polinices, general muerto en combate; pero el tirano Creonte considera a Polinices un traidor por haber vuelto las armas contra sus hermanos. Le niega, pues, las honras fúnebres. Pero Antígona viola la prohibición, es capturada, Creonte la condena a morir de hambre y sed encerrada en una cueva en la montaña.

La versión de Watanabe, protagonizada por Yovino, se presentó el mes pasado en el 2ø Festival Internacional de las Artes de Mérida, México. Antes, en Buenos Aires, se habían hecho cinco ensayos generales abiertos al público. Ahora, Yovino se prepara para el estreno oficial. Nunca había hecho un unipersonal y asumir Antígona fue un desafío grande. "Es un espectáculo en el que tengo que conectarme con la platea, narrarle la historia, mirar la cara de la gente y eso no es fácil, al principio me daba terror. Los ensayos con público fueron un buen entrenamiento", explica.

Esta versión está escrita en forma de poesía; los versos son libres, sin rima. "El riesgo era caer en el recitado, pero por suerte, pude evitarlo", dice Ana. Por su cuerpo y por su voz pasan cinco personajes a lo largo de la hora de función: la narradora, Antígona, Creonte, Tiresias y el guardia. Con el mismo vestuario y apelando a cambios de actitud corporal y de tonos de voz, logra interpretar a todos. "Es un juego muy interesante, porque me tengo que debatir conmigo misma. Hay un diálogo entre Creonte y Antígona. Cuando hago de Creonte, tengo todos los fundamentos para decirle a Antígona por qué dejé a Polinices sin sepultura. Y Antígona le responde que ella nació para amar, y ahí esgrimo argumentos contrarios", repasa.

En el espacio, pequeño, hay tres sogas colgadas "que se van transformando en hamacas, pinos, cuevas...", enumera la actriz, a quien le gustó muchísimo el texto desde que lo leyó por primera vez y sobre todo el final, que ofrece "una vuelta que conmueve mucho, porque la narradora se hace cómplice del espectador. Es una sorpresa".

Hasta hace muy poco, Ana hacía otra Antígona, la de Jean Anouilh, bajo la dirección de Dora Milea, en La Carbonera. "Para hacer esta nueva Antígona que estoy por estrenar, me despojé absolutamente de la anterior y el texto me ayudó a vaciarme. El hecho de hacer cinco personajes, en otro espacio y con otro director, permitió que no se me juntaran los trabajos; no tuve que hacer un esfuerzo para separarlas. Son dos experiencias diferentes", asegura esta joven que empezó a estudiar actuación a los 6 años.

haikus

veo las hojas
brillar con el reflejo
de un sol agónico


el alba llega
las flores salen, crecen
perfuman todo


estrellas con
luz marcan el camino
de prosperidad

OCTAVIO CHARASK

CONSTRUCCIONES

GRIS OTOÑO DORMIDO
QUE SE TENDIÓ ANTE EL SOL
DEJANDO AL VERANO
HACER PRIMERO SU APARICIÓN

Análisis del poema SHE

Podemos decir que la palabra "she" significa "ella" en inglés y hace referencia a una mujer.
También podemos decir que las curvas de la letra (S) hacen referencia a las curvas de una mujer en su juventud, además podemos ver a una mujuer embarazada con la letra (S) que tiene en su vientre a su embrión. La letra (e), y la letra (h) es como si fuera una mujer mayor que tiene dificultad para caminar y usa un bastón.

Este Perro, Este Perro.

Este Perro, este perro

Se Quie
R
E
N
Se levantan, se distraen, se enternecen, se contraen
Se besan, se reproducen, se pelean, se patalean
Nacen
Viven
Comen
Mueren.
Juegan, piden.
No entienden, duermen, se despiertan, duermen
Vuelven, salen, comen, salen, comen
Duermen
Sienten
No los quieren
Sí los quieren
Desaparecen,

Todos...

Por Jeronimo Turek Trosman

Miguel Hernández

Miguel Hernández Gilabert nació en Orihuela el 30 de octubre de 1910. La familia de Miguel estaba compuesta por el matrimonio, un niño, Vicente , y una niña, Elvira. El padre, Miguel Hernández Sánchez, se dedicaba a la crianza y pastoreo de ganado. Su madre, Concepción Gilabert Giner, se ocupaba de la casa. El matrimonio tuvo, en total, siete hijos, de los que sólo sobrevivieron cuatro: Vicente, Elvira, Miguel y Encarnación. A los cuatros años del nacimiento de Miguel, su padre decide trasladar el hogar familiar a una casa más amplia, situada en la calle Arriba (actualmente Casa Museo). La infancia del poeta transcurre entre los juegos y el trabajo. Desde los siete años ayuda a su hermano Vicente en las tareas del pastoreo, aprendiendo de él este oficio.
Su padre le necesita para atender el ganado pero, pese a todo, él aprovecha sus horas de pastoreo en la sierra para seguir estudiando. Miguel se convierte en un asiduo visitante de la biblioteca de Luis Almarcha, sacerdote y canónigo de la catedral oriolana.
Miguel Hernández empieza a escribir poesías, aproximadamente hacia 1925. Su principal fuente de inspiración es el entorno en el que vive: la huerta, su patio, la montaña, las cabras, el pastoreo, el río, etc. Miguel aprovecha cualquier ocasión para escribir. Incluso tiene que esconderse de su padre, a quien le molesta esa afición poética de su hijo.

Al leer parte de la vida de Miguel Hernández, destacando estos párrafos nos damos cuenta que sus poemas y una de las grandes fuentes de inspiración de ellos fue su oficio cuando era chico, que trabajaba en la huerta, pastoreo, etc.
Esto se puede relacionar con el poema:

Me llamo barro aunque Miguel me llame...

Me llamo barro aunque Miguel me llame.
Barro es mi profesión y mi destino
Que mancha con su lengua cuanto lame.
Soy un triste instrumento del camino.
Soy una lengua dulcemente infamea los pies que idolatro desplegada.

Como un nocturno buey de agua y barbecho
que quiere ser criatura idolatrada,
embisto a tus zapatos ya sus alrededores,
y hecho de alfombras y de besos hecho
tu talón que me injuria beso y siembro de flores.

Coloco relicarios de mi especie
a tu talón mordiente, a tu pisada,
y siempre a tu pisada me adelanto
para que tu impasible pie desprecie
todo el amor que hacia tu pie levanto.

Más mojado que el rostro de mi llanto,
cuando el vidrio lanar del hielo bala,
cuando el invierno tu ventana cierra
bajo a tus pies un gavilán de ala,
de ala manchada y corazón de tierra.

Bajo a tus pies un ramo derretido
de humilde miel pataleada y sola,
un despreciado corazón caído
en forma de alga y en figura de ola.

Barro en vano me invisto de amapola,
barro en vano vertiendo voy mis brazos,
barro en vano te muerdo los talones,
dándote a malheridos aletazos
sapos como convulsos corazones.

Apenas si me pisas, si me pones
la imagen de tu huella sobre encima,
se despedaza y rompe la armadurade arrope bipartido que me ciñe la boca
en carne viva y pura,
pidiéndote a pedazos que la oprima
siempre tu pie de liebre libre y loca.

Su taciturna nata se arracima,
los sollozos agitan su arboleda
de lana cerebral bajo tu paso.
y pasas, y se queda
incendiando su cera de invierno ante el ocaso,
mártir, alhaja y pasto de la rueda.

Harto de someterse a los puñales
circulantes del carro y la pezuña,
teme del barro un parto de animales
de corrosiva piel y vengativa uña.

Teme que el barro crezca en un momento,
teme que crezca y suba y cubra tierna,
tierna y celosamente
tu tobillo de junco, mi tormento,
teme que inunde el nardo de tu pierna
y crezca más y ascienda hasta tu frente.

Teme que se levante huracanado
del blando territorio del invierno
y estalle y truene y caiga diluviado
sobre tu sangre duramente tierno.

Teme un asalto de ofendida espuma
y teme un amoroso cataclismo.

Antes que la sequía lo consuma
el barro ha de volverte de lo mismo.

Poema (con las oraciones inventadas con sustantivos, verbos y adjetivos)

Él empezó diciéndome testimonios de tela
Mientras una maquinaria de música sonaba
La tela se hizo aire, se perdió en el ambiente
Eran shows como música,
Las frases como aire pasaban
Cuando la cortina como canción finalizó
Un último lienzo cortado cayó,
Se formó una minuciosa magia oscura
Quedó como una inmóvil noticia culpable,
Los grandes secretos quietos terminaron
Se fue y la traspirada seda azul cubrió el lugar
Se formó un superior show abierto,
Los recuerdos dispararon conciertos que alegran
La música ríe. Aire.
Cayeron las murallas cubriendo mentiras.

ME SOBRA EL CORAZÓN

Imágenes visuales:
· Hoy es día de llantos en mi reino- esta imagen visual yo la relaciono con el titulo de este poema porque estar lleno de llantos es que no hay ni alegría, ni amor, ni amistad y hay solo tristeza o amargura. Y que te sobre el corazón yo lo interpreto cuando sentís que hay mas de lo que necesitas, por lo tanto no tenes a quien entregarle todo lo que hay para dar en ese corazón.
· No puedo con mi estrella- esta imagen la interpreto con que el yo lírico no puede con su vida ni con lo que le tocó vivir. No lo soporta. Hay un dicho que es que algunos nacen con estrella y otros estrellados y hay gente que tampoco sabe valorar su propia estrella y por lo tanto no la puede ni aprovechar ni sacarle la parte positiva.
· Cortas este dolor ¿con que tijeras?- esta imagen la relaciono con que si uno piensa que el dolor se corta con un par de tijeras, esta loco, seria demasiado fácil y no lo es. Hay que entender que el dolor pasa por otro lado, pasa por el interior del corazón, no por algo material que se corta con una tijera y termina.

· Muerte
· Llanto
· Corazón
· Penas
· Ojos
· Besos
· Batallas
· Ausencias
· Perdidas
· heridas
Relaciono todas estas palabras que se repiten en los poemas con la tristeza, amargura, melancolía, perdida , abandono, porque las palabras lindas se transforman en feas porque en general hay falta de ellas.

EL NIÑO DE LA NOCHE

El niño de la noche

Trata acerca de sus últimos días en la cárcel donde murió, de la despedida de su vida y la bienvenida de su muerte en forma drástica e inocente, con la pureza de un niño con sus alas cortadas que como dice y puedo observar en imágenes visuales, mira la luz a través de una ventana describiendo su sentimiento de soledad y visualizando su futura bóveda.
Empieza hablando del niño, riéndose, burlándose con claridad del día como lo hacia de chico con total libertad cosa que no puede en ese momento porque esta privado de hacerlo.
La frase que dice “ se hundió en la noche el niño que quise ser dos veces” lo relaciono con el hecho de que fue encarcelado donde había oscuridad y anulado como niño y de grande ser humano también, por eso habla de dos veces.
Relaciona la niñez con la libertad y cuando se da cuenta que no tienen nada mas que descubrir en la vida pasa a tratar de descubrir la muerte.
El ultimo párrafo lo relaciono con que a punto de morir, en la cárcel necesitaba regresar a ser un niño y sentirse protegido.
Este poema esta relacionado con la ultima etapa de la vida de el que termino con amargura y pensaba y reflexionaba su pasado que era de la luz hacia su presente oscuro.

CASI NADA

Casi nada
Cuenta acerca de todas cosas naturales relacionadas con sentimientos.
En el nivel fónico puede relacionar las palabras río con frío, el río es frío. Apenas con arenas.
Umbrío con vacío, umbrío quiere decir un lugar donde da poco el sol y en mi interpretación el sol te llena mucho, da alegría y vida y si no hay sol se siente un vacío.
El primer párrafo se relaciona todo con el mar, río, océano, agua, arenas, el principio y el fin. Ni el río ni el mar ni el océano tienen ni un principio ni un fin. No se sabe ni el comienzo ni el final.
Este poema relaciona mas que nada el todo con el nada porque aunque se tiene todo, se cree que no se tiene nada o de tanto que se tiene no se valora y es como si tuvieras casi nada.
Termina “Gran Todo- de-la-nada-de-los-oasis” lo interpreto que todo lo que es NADA, o lo que en un principio fue nada, se puede transformar en un GRAN TODO, que se puede comparar con un oasis, un lugar indescriptible, incomparable, un paraíso.

ME SOBRA EL CORAZÓN

Imágenes visuales:
· Hoy es día de llantos en mi reino- esta imagen visual yo la relaciono con el titulo de este poema porque estar lleno de llantos es que no hay ni alegría, ni amor, ni amistad y hay solo tristeza o amargura. Y que te sobre el corazón yo lo interpreto cuando sentís que hay mas de lo que necesitas, por lo tanto no tenes a quien entregarle todo lo que hay para dar en ese corazón.
· No puedo con mi estrella- esta imagen la interpreto con que el yo lírico no puede con su vida ni con lo que le tocó vivir. No lo soporta. Hay un dicho que es que algunos nacen con estrella y otros estrellados y hay gente que tampoco sabe valorar su propia estrella y por lo tanto no la puede ni aprovechar ni sacarle la parte positiva.
· Cortas este dolor ¿con que tijeras?- esta imagen la relaciono con que si uno piensa que el dolor se corta con un par de tijeras, esta loco, seria demasiado fácil y no lo es. Hay que entender que el dolor pasa por otro lado, pasa por el interior del corazón, no por algo material que se corta con una tijera y termina.

Muerte
· Llanto
· Corazón
· Penas
· Ojos
· Besos
· Batallas
· Ausencias
· Perdidas
· heridas
Relaciono todas estas palabras que se repiten en los poemas con la tristeza, amargura, melancolía, perdida , abandono, porque las palabras lindas se transforman en feas porque en general hay falta de ellas.

Alejandra Pizarnik

Algunos videos sobre ella y su obra:







Poemas de Alejandra:

FORMAS

no sé si pájaro o jaula
mano asesina
o joven muerta entre cirios
o amazona jadeando en la gran garganta oscura
o silenciosa
pero tal vez oral como una fuente
tal vez juglar
o princesa en la torre más alta.


explicar con palabras de este mundo
que partió de mí un barco llevándome

Miguel Hernández

Josefina y Miguel Hernández


Una página sobre el poeta para consultar:
www.miguelhernandezvirtual.com/paginaprincipal.htm

La triste canción de de cuna para su hijo Manuel y para Josefina:

Nanas de la cebolla

La cebolla es escarcha
cerrada y pobre.
Escarcha de tus días
y de mis noches.
Hambre y cebolla,
hielo negro y escarcha
grande y redonda.

En la cuna del hambre
mi niño estaba.
Con sangre de cebolla
se amamantaba.
Pero tu sangre,
escarchada de azúcar
cebolla y hambre.

Una mujer morena
resuelta en lunas
se derrama hilo a hilo
sobre la cuna.
Ríete niño
que te traigo la luna
cuando es preciso.

Tu risa me hace libre,
me pone alas.
Soledades me quita,
cárcel me arranca.
Boca que vuela,
corazón que en tus labios
relampaguea.

Es tu risa la espada
más victoriosa,
vencedor de las flores
y las alondras.
Rival del sol.
Porvenir de mis huesos
y de mi amor.

Desperté de ser niño:
nunca despiertes.
Triste llevo la boca:
ríete siempre.
Siempre en la cuna
defendiendo la risa
pluma por pluma.

Al octavo mes ríes
con cinco azahares.
Con cinco diminutas
ferocidades.
Con cinco dientes
como cinco jazmines
adolescentes.

Frontera de los besos
serán mañana,
cuando en la dentadura
sientas un arma.
Sientas un fuego
correr dientes abajo
buscando el centro.

Vuela niño en la doble
luna del pecho:
él, triste de cebolla,
tú satisfecho.
No te derrumbes.
No sepas lo que pasa
ni lo que ocurre.

Un video de un Serrat joven que la canta:

 

La tragedia de la noche y el día

En la puerta de la noche,
La sal trabajaba las murallas,
Las personas eran como luz
había una estupefacta estatua maligna,
El cuarto sonreía flores
Y la cerrada tienda estaba sucia.

En la sensible mañana colosal,
El suelo se llenaba de personas,
La minuciosa magia oscura,
Era una inmóvil noticia culpable
Que al llenarse la ciudad de sangre,
La carpeta se completaba de sueños.

Y la ecuación del engaño
Eran miradas como aire
Y las sombras de la muerte
Se iban de la mente

el vaivén

La vida no es fácil, la vida tiene sus complicaciones,
Injusticias, deseos inalcanzados, caras sufridas,
Corazones sangrientos.
La vida y la muerte.
Un solo paso, un solo instante.
Personas que no se les encuentra un adjetivo para definir toda su maldad
Y otras buenas asesinadas sin motivo.
Marchar por la vida,
Hemos recorrido el camino que no tuvo regreso.
El camino en el que la gente no pudo retornar.
Ese sentimiento y pensamiento es un sufrimiento.
El que uno nunca está preparado para enfrentar.
Las pertenencias, maletas, anteojos, pelos,
Cada cosa tiene su significado y pasado.
Luchar por la vida es lo que fuimos a hacer.
Demostrar que estamos vivos y que nadie nos va a vencer.

SURREALISMO

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.

El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en la revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L. Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores.

En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico.

La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos (los del sueño), el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.

La primera exposición surrealista se celebró en París en 1925, y en ella además de Arp, De Chirico y Ernst, también colgaron sus obras Picasso, Tanguy, Miró y Klee, que más tarde se separarían del movimiento o mantendrían cierta vinculación con algunos de sus principios. Algunos años después se unieron al movimiento artistas como Dalí y Buñuel, entre otros.

Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos paises. Poco después, la segunda guerra mundial paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas surrealistas, muchos de los cuales (entre ellos Breton) se exilian en Nueva York. Allí surge una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses en torno a la revista VVV. Finalizada la contienda mundial, en 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya practicamente había desaparecido.

En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.

Figuración con temática sudjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").

CARACTERÍSTICAS

- Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.

- Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.

- Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.

- Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa.

- Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

- Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.

- Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.

- Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).

- Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.

- Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).

- Utilización del claroscuro y del color modelado.

- Invención de nuevos métodos y ténicas: pintura automática, frottage y grattage.

poema

signos de industria
se iban de la mente
con testimonios de música
muchas sombras de la muerta

conciertos de palabras
en inmóvil y comprensible tristeza
gritos que se escuchan,
imposible detenerlos.

Imágenes

Esta es la imagen que había elegido para lo que escribí antes.

VIAJE DE IDA Y VUELTA

Camino por donde caminaban ellos pero camino con la cabeza bien alta, con orgullo.
Sé que vuelvo y el hecho de saberlo me genera incertidumbre:
¿qué pensaban ellos cuando caminaban este mismo sendero?
¿Sabían su destino?
Yo volví pero ellos no.